Nina Talvi, autrice paranormal romance, ci ha regalato un esordio con il botto grazie a Il Bacio dell’Incubo, edito da Triskell Edizioni, che apre la saga Stirpe Maledetta. L’audace esordiente ha infatti scritto una storia in cui i discendenti di Caino sono nientemeno che potentissimi fae. Il 18 marzo lancerà il seguito, Il Bacio della Bestia, al Festival del Romance Italiano che si terrà a Milano, ma nel frattempo è stata tanto gentile da rispondere a qualche domanda!
Che effetto ti fa veder pubblicato il tuo primo libro?
È un effetto abbastanza surreale. Da una parte sono molto orgogliosa di me stessa, dall’altra sono ancora incredula che la mia storia sia stata pubblicata e sia diventata un libro vero!
Lavorarci è stato come te l’aspettavi o qualcosa ti ha sorpresa?
Scriverlo è stato più semplice che editarlo, anche se la fase di scrittura non è stata molto lineare, all’inizio. Avevo in mano un’accozzaglia di idee e di personaggi che non sapevo come incastrare, ed è stato molto difficile perché non sapevo che strada far prendere alla storia. Questo è anche uno dei motivi per cui ora progetto tutto nei minimi particolari prima di iniziare la fase di stesura vera e propria.
Quando e come hai cominciato ad appassionarti alla lettura e alla scrittura?
Ho sempre amato leggere. Quando avevo sei anni, i miei mi regalarono un libro illustrato sui miti greci, e da allora non ho mai smesso di leggere e di appassionarmi alle storie. Poi, dopo qualche anno, ogni volta che guardavo un film o leggevo un libro e restavo insoddisfatta del finale o della storia, creavo dei finali alternativi nella mia mente, e a volte inventavo trame del tutto nuove. Dal pensarle allo scriverle, il passo è stato davvero breve. Mi sono anche cimentata in una graphic novel (una fanfiction di Salir Moon in cui la protagonista femminile era il mio cane) ma non lo chiamerei un successo!
Quanto pensi sia importante leggere per uno scrittore?
Dal mio punto di vista è fondamentale. Personalmente, io leggo soprattutto romanzi del mio genere, in primis perché ne sono appassionata, ma anche per vedere cosa mi piace e cosa no. Trovo anche che la lettura sia uno strumento prezioso per scoprire cosa funziona o meno nelle storie, e un modo per trarre ispirazione quando attraverso periodi in cui la mia creatività si blocca.
Quanto reputi importante la promozione?
La reputo importantissima. Al giorno d’oggi pubblicare un libro significa lanciare la tua storia in un oceano zeppo di altri libri. Per far conoscere il tuo romanzo, è necessario promuoverlo. E imparare a farlo diventa un secondo lavoro, un lavoro a volte estenuante ma che (secondo me) è necessario.
T’immagini sempre come autrice romance in futuro, oppure saresti curiosa di sperimentare altri generi?
Mi piacerebbe sperimentare con diversi sottogeneri (quindi non solo paranormal ma anche dark e contemporary) ma sempre nell’ambito del romance. In fondo, anche se non sembra, sono una romanticona!
Trovi che il romance sia un genere stigmatizzato? E se sì, cosa pensi che abbia provocato lo stigma?
Purtroppo, penso che il romance sia il genere più stigmatizzato di tutti. I romance sono visti come romanzetti di scarsa qualità da leggere di nascosto, letteratura di serie B per casalinghe disperate (questa cosa mi è stata proprio detta in faccia!). Credo che gran parte di questa cattiva reputazione sia dovuta al fatto che la passione e (soprattutto) il sesso siano ancora considerati come qualcosa di cui vergognarsi, sopratutto se sperimentati dal sesso femminile. In molti romance ci sono scene di sesso più o meno esplicite e trovo che molte persone considerino questo fattore come una cosa da tenere nascosta o che mini la reputazione di chi legge.
Se avessi la bacchetta magica, quale elemento o luogo comune faresti di colpo sparire da tutti i romance della terra?
Eliminerei in un solo colpo (facendogli cambiare faccia di colpo tipo Maga Magò) le protagoniste femminili “amebe”, e quelle descritte come “bellissime ma che non sanno di esserlo”, dove l’aspetto fisico è l’unica loro qualità. Eliminerei anche la parola “calloso” da ogni singolo romanzo, senza pietà.
Cosa bolle in pentola al momento?
Tra un paio di mesi uscirà il secondo libro della mia trilogia, e a fine anno il terzo (se mi decido a finirlo!). Poi mi piacerebbe scrivere alcuni spin-off su alcuni personaggi secondari della trilogia, ma prima ho in programma un retelling di una favola classica e un dark romance contemporaneo.
Sempre a proposito di bacchette magiche: se potessi veder esaudito un desiderio per il futuro della tua carriera, quale sarebbe?
Senza dubbio, riuscire a vivere della mia scrittura.
Grazie di cuore per il tuo tempo e la tua disponibilità!
In 2022 the heart of those who love Viking atmospheres were stolen by an incredibly soulful album: Lysbærer, by Nanna Barslev, singer, author, multi-instrumentalist and cultural heritage manager. I had the honor and pleasure to interview her.
When and how did your interest towards folk music start?
My interest in folk music started as a child singing church songs that had a folky origin. I was playing on our old wooden organ we had in the living room. Later I started singing folk/medieval ballads. I was generally inspired by singing tunes and I listened a lot to Sissel Kyrkjebø and her singing style . My sister and I started composing medieval / Viking music (as we called it) in the beginning of the 90thies where not many could understand that kind of music. Later I formed Gny, Asynje and Huldre composing new crossover music and some interpretations of folk ballads as well.
Are there other traditions apart from the Northern European ones you’re particularly interested in?
I think my interest is mostly focused around different European cultures and the similarities between norse celts and Slavic folklore etc , but it’s always interesting to see the similarities in mythology all over the world like all stories are connected no matter what culture your heritage from.
What are your main instruments?
My voice is mymain instrument if you can call it that – as I see myself mainly as a singer but I have also played drums, bodhran and other percussions for many years. For some years now I have been playing Islandsk Langspil, tagelharpa and moraharpa, all bowed instruments. The vibrations from those really fascinate me. I’m not a virtuoso on those historical instruments, but I use them as a grounded organic feeling and riff drone that resonate with the voice .
You’re a nature cultural heritage manager; what does it mean? Do you see it as something connected to your work as a musician?
Yes, that’s a good question. I’m an educated natural cultural heritage manager with many different themes, and yes, I use it in many ways in my work and music, both ways around. For example when I dive into a subject of folklore and ancient descriptions I focus on all aspects and with a kind of scientific approach. I’m also working with workshops and events in museums and libraries with music as a theme . Structure and plans for concepts, descriptions etc all is connected to methods I both used in my education and music career through the time.
Why folk music in 2023?
Folk music is a part of the energy that is handed over from generation to generation. Even if it’s new composed folk, it’s like mixing past and present telling a story.
The extreme right wing tried and tries very often to claim ownership of Nordic traditions; what do you think about it?
For many years I have dealt with a few people who think that the so-called Viking music and traditions are related to a different kind of ideology on the extreme right wing. Today the genre is more popular and I think it means that historical knowledge and common interest in Nordic traditions are now accepted by more people. With new information and interpretations also from archaeologists, museums etc the focus on those traditions has changed – also the pagan subculture that have a more animistic approach to the subject nowadays.
Did reality meet your expectations about the way the audience received your album, Lysbærer?
It is amazing I still get messages from people who listen to my album everyday and use it for meditation, healing , ceremonies, crafting etc. This makes me so happy and I’m honored cause that was my intention for this album “ for people to dive into emotions”. I also received a lot of really amazing reviews from magazines all over the world. Those who listen and review my music really understand the depth in it, that’s really wild.
Do you think that the series Vikings influenced people’s interests even music wise?
Oh yes, before Vikings not many knew about the genre, people sometimes asked me if it was irish music and I had to explain. Now the genre is exploded after Vikings with, for example, Wardruna’s unique sound and more.
How important are lyrics in your songs?
In some songs the lyrics are very important and in some I don’t even have to sing lyrics; it’s more about the atmosphere. For me the most important thing in a song is to communicate a story and an energy, specifically when I use Edda poems or old spells.
What should we expect from you in the near future?
I’m working on new songs , and I’m working on gathering a live band lineup, until now I’ve mostly played my songs solo. And then I have thousands of other ideas and many interesting music collaborations and bands! Ha ha! So it’s always interesting for me where I’ll be going…
Thank you very much for your time, Nanna. It was a privilege to have the chance to interview you!
And thank you Delia for your interest and your very good questions. Greetings from Denmark, Nanna Barslev
(Italiano)
Nel 2022 il cuore di chi ama le atmosfere vichinghe è stato rubato da un album carico di atmosfere e sentimento: Lysbærer, di Nanna Barslev, cantautrice, polistrumentista e professionista nell’ambito della gestione del patrimonio culturale. Ho avuto l’onore e il piacere di intervistarla.
Quando e come è nato il tuo interesse per la musica folk?
Il mio interesse per la musica folk è cominciato quando ero bambina, cantando canzoni di chiesa che avevano un’origine popolare. Suonavo il vecchio organo di legno che avevamo in soggiorno. In seguito ho iniziato a cantare ballate folk/medievali. In generale mi sono ispirata alle melodie cantate e ho ascoltato molto Sissel Kyrkjebø e il suo stile di canto. Io e mia sorella abbiamo iniziato a comporre musica medievale/vichinga (come la chiamavamo) all’inizio degli anni ’90, quando non molti riuscivano a capire quel tipo di musica. Successivamente ho formato i Gny, gli Asynje e gli Huldre componendo nuova musica crossover e anche alcune interpretazioni di ballate folk.
Ci sono altre tradizioni oltre a quelle nord europee che ti interessano particolarmente?
Penso che il mio interesse si concentri principalmente sulle diverse culture europee e sulle somiglianze tra i celti norreni, il folklore slavo e così via, ma è sempre interessante vedere le somiglianze nella mitologia di tutto il mondo come se tutte le storie fossero collegate indipendentemente dalla provenienza della tua eredità culturale.
Quali sono i tuoi strumenti principali?
La mia voce è il mio strumento principale se così si può chiamare – dato che mi vedo principalmente come cantante, ma ho anche suonato la batteria, il bodhran e altre percussioni per molti anni. Da qualche anno suono anche il langspil islandese, la tagelharpa e la moraharpa, tutti strumenti ad arco. Le loro vibrazioni mi affascinano davvero. Non sono una virtuosa di questi strumenti storici, ma li uso per ottenere un sentimento naturale e radicato, una sorta di ronzio ridondante che risuona con la voce.
Sei una “nature cultural heritage manager”; cosa significa? Lo vedi come qualcosa di connesso al tuo lavoro di musicista?
Sì, questa è un’ottima domanda. Ho studiato per occuparmi della gestione del patrimonio culturale naturale in molti diversi aspetti e sì, uso questa cosa in molti modi nel mio lavoro e nella mia musica, e viceversa. Ad esempio quando vado a fondo in un argomento nell’ambito del folklore e di descrizioni antiche mi concentro su tutti gli aspetti e lo faccio con una sorta di approccio scientifico. Sto anche lavorando nell’ambito di laboratori ed eventi nei musei e nelle biblioteche con la musica come tema. Struttura e piani per concetti, descrizioni ecc. Tutto è collegato ai metodi che ho usato sia nella mia formazione che nella mia carriera musicale nel tempo.
Perché la musica folk nel 2023?
La musica folk fa parte dell’energia che si tramanda di generazione in generazione. Anche se si tratta di musica folk composta di recente, è come mescolare passato e presente raccontando una storia.
L’estrema destra ha cercato e cerca molto spesso di rivendicare la proprietà delle tradizioni nordiche; cosa ne pensi?
Per molti anni ho avuto a che fare con alcune persone che pensano che la cosiddetta musica e le tradizioni vichinghe siano legate a un diverso tipo di ideologia dell’estrema destra. Oggi il genere è più popolare e penso che significhi che la conoscenza storica e l’interesse comune per le tradizioni nordiche siano ora accettati da più persone. Con nuove informazioni e interpretazioni anche da parte di archeologi, musei, ecc., l’attenzione su quelle tradizioni è cambiata, come la sottocultura pagana che al giorno d’oggi ha un approccio più animistico all’argomento.
La realtà ha soddisfatto le tue aspettative in merito al modo in cui il pubblico ha accolto il tuo album, Lysbærer?
Trovo incredibile ricevere ancora messaggi da persone che ascoltano il mio album ogni giorno e lo usano per la meditazione, la guarigione, le cerimonie, il creare con le proprie mani ecc. Mi rende davvero felice e sono onorata, perché quella era la mia intenzione per questo album: “far immergere le persone nelle emozioni”. Ho anche ricevuto molte recensioni davvero straordinarie da riviste di tutto il mondo. Coloro che ascoltano e recensiscono la mia musica capiscono davvero la sua profondità. Davvero non ci si crede!
Pensi che la serie Vikings abbia influenzato gl’interessi delle persone anche dal punto di vista musicale?
Oh sì, prima di Vikings non molti conoscevano il genere, a volte la gente mi chiedeva se fosse musica irlandese e io dovevo spiegare. Ora il genere è esploso dopo Vikings, per esempio col sound unico dei Wardruna e altri ancora.
Quanto sono importanti i testi nelle tue canzoni?
In alcune canzoni i testi sono molto importanti, mentre in non c’è nemmeno bisogno di cantare vere e proprie parole; si tratta più di un’atmosfera. Per me la cosa più importante in una canzone è comunicare una storia e un’energia, in particolare quando uso l’Edda in poesia o antichi incantesimi.
Cosa dobbiamo aspettarci da te nel prossimo futuro?
Sto lavorando a nuove canzoni e sto lavorando per creare una lineup per une esibizioni dal vivo; fino ad ora ho suonato le mie canzoni principalmente da sola- E poi ho migliaia di altre idee, molte collaborazioni musicali e band interessanti! Ah ah! Per me è sempre interessante vedere un po’ dove andrò…
Grazie mille per il tuo tempo, Nanna. È stato un privilegio avere la possibilità di intervistarti!
E grazie Delia per il tuo interesse e le tue ottime domande. Saluti dalla Danimarca, Nanna Barslev
Tiare Valouria is an incredibly talented performer and teacher specialized in fusion belly dance and ritual theatre. To see her is to love her: her elegance and interpretation are of the highest quality; her mystic aura makes her artistically irresistible. I had the privilege of interviewing her about her history and the meaning of her craft.
How did your passion for belly dance start?
While my passion for dance as an artform of expression has been life long, my passion for bellydance began in 2005. I grew up in Hawaii dancing Ballet and Hula in the Halau, then stopped dancing when my adolescence hit and felt more inspired to express myself through design work and immerse myself in Magickal studies. It was in my early 20’s when I first witnessed Gypsy Caravan perform ATS (American Tribal Style) here in Portland, and realized that there was a magical, mysterious movement of empowered dance that was bringing the feminine together en force! Their dance circles had this powerful, yet warm and embracing energy to it, and when witnessed, it wasn’t difficult to tap into the ancient current of vitality that was being expressed and shared between them as a unit of all races, sizes and genders. In fact, it was undeniable. I was enamored by their aesthetic as well ~ Peacock hues with black as a unifying undercurrent, bright pops of color statements and absolutely dripping with tattoos. “It’s a dance coven of vitality magic!” I thought to myself. I was so intrigued that I did some research online and soon discovered the Tribal Fusion movement that was currently on the rise through the bohemian underground. I was even more intrigued! Infatuated even. And then I stumbled upon some footage of Rachel Brice dancing… I was officially in love. That was it. Exactly what I knew I needed to be doing. It felt like a piece my very soul had been missing and feverishly searching for. Before long I was hooked. I wanted nothing more than to carry this dance current within my physical form. I craved the grounding empowerment of it. I sought out the Gypsy Caravan dancers to take classes from Paulette Resse Denis and Severina while also practicing at home regularly with Egyptian Cabaret classes on VHS (because they were all you could get at the time). I was pleased to discover that my childhood dance training set me far ahead of the pack in dance classes and I managed to learn Tribal Fusion at what some would consider – lightning speed. I soon found a small Tribal Fusion bellydance coven called Serpentine who invited me in due to a shared understanding of prioritizing Ritual Theatre as a focal point for dance. They were my gateway into becoming a performance artist post childhood Halau recitals and the rest is history.
How important is the role of teachers within this discipline?
Every discipline carries with it a technique that it is known for and therefore sought out for personal development and integration. It is through our teachers that we receive downloads of information and portrayal of techniques that are unique to them and them alone. It is through our teachers that we are empowered through their lens of experience, passion, wisdom and blessing. It is because of this singularity that when we witness our teacher, our entire being affirms that they are the ones we desire to learn from. Teachers offer a legacy of consciousness through their classes that has been passed down from their teacher before them, and so on. It offers their students an invaluable opportunity to imbue their practice and passion with this magical blend of flavors, insight and meaning, like a potion of power that vivifies their movement with a spirit that can be felt by not only the dancer, but all who are blessed to witness them share their artistry. Without our precious teachers, our treasured dance forms would not survive. Within this particular dance discipline we are tapping into a current that is as old as time. The ancients who identified as women began belly dancing in women’s only circles, where the people who identified as men were not allowed to attend or bear witness. This is a dance that has been passed down from woman to woman for thousands of years as a vitality practice for harnessing, refining and sharing divine feminine power. So yes, the teachers and who you choose to learn from are extremely important. Personally, I am of the opinion that when seeking out a teacher, it’s a good thing to ask yourself a few questions: Are they acknowledging and honoring their teachers? Are they respecting the cultures these dances came from and educating others about them? What is the story their spirit is portraying and speaking to you through their movements? Does this story and portrayal align with your chosen path? How will learning from them empower the story through dance that you wish to tell? And will honoring them as your teacher feel integral to both of you on your chosen paths? I don’t think these questions are being asked enough, and I see a lot of extremely talented dancers with immaculate technique, out there in the world with no honoring of lineage or portrayal of mythos. Many people don’t mind this at all, but when I notice it, although I can find enjoyment in the display of technique, I quickly lose interest because there is no story or evidence of spirit through lineage. No meaning behind the movements other than wanting to look impressive… And is that what their teachers taught them to do? It also really boils down to how much you as an individual really care about matters such as this. How important is your path in artistry to you? This will be reflected in who you choose as your teachers, and vice versa.
Do you think it’s possible to establish a strong tie with students even through online lessons?
Oh absolutely, and like with anything, it really depends on the teacher. The desire to bond with students must be there in the first place, and it’s even better if the students are willing to reciprocate a teacher’s outreach for connection. We as a species are experiencing such a churning right now that we must seek out our teachers from the comfort of our own home for safety and convenience as world affairs ramp up around us. As much as I miss in-person classes, I know I’m not alone in my appreciation for the luxury of modern technology to keep the spirit of education alive while we navigate the troubled waters of society. That being said, I am so deeply excited to open the doors to Animara ~ my new online school for dance magick coming up in October. I’ve been pouring so much love into the curriculum and presentation to offer students an elevating experience while engaging with the platform as classes and series roll out. It’s going to be so deliciously enriching for everyone involved.
What is the role of esotericism and spirituality in your work?
After 20 years of a spiral dance around deepening my understanding about the relationship between my work and spirituality, I have come to realize time and time again that esotericism and spirituality truly are central to all of it. Without one, the other withers, and to be perfectly honest I think it’s the same for everyone… However within the spectrum of experience, we choose to focus more on one aspect or another. No matter what, dance IS a spiritual practice. It is an exercise that brings a refinement of the spirit’s expression to be portrayed and projected through our physical form. We are all spirit and our bodies are the earthly vehicle for our spirit, therefore all dance is a spiritual practice. For me, it is vital to my personal practice and what I teach for the exercises, techniques and movements to come from a place of inner knowing as a result of consciously connecting with the forces of creation to imbue everything with a deeper understanding, relationship, meaning and intention. It is through my lifelong study of ancient ceremonial practices, magical studies, spiritual lineages and dance that I have been lovingly formulating an integral way of approaching dance as a spiritual practice called the Mystic Arts Practika that is deeply rooted in magic. It may not be for everyone, although I do think that anyone can benefit from its influence.
Which spiritual themes are more typical of your exhibitions and lessons?
Ritual Theatre, esoteric symbology, ceremonial magic, archetypes and deity veneration / embodiment has been at the forefront of my artistic expression for my entire life. It has been my calling since day one and due to the influence of my teachers and personal guides, the blend of aesthetics, techniques and portrayal is uniquely potent. My lessons range from Lunar guided yoga sessions to sync our self care regimen with the cycles of the moon and dance classes are built on a foundation I like to call Elemental Fusion which serves as a platform for building upon with intention utilizing the Practika for empowering our dance through relationship with Spirit, magical wisdoms and personal mythos.
Do you think that dancing can change the world?
Dancing is changing the world every day. It has been changing the world since the dawn of humanity and will continue to do so until the end of time. Dance carries within it the medicine of empowerment and release. Dance is a rite of passage. When we do not dance, our bodies and self confidence stagnate. Dance brings us home to the understanding that our bodies are conductors of energy. Without movement our physical form experiences atrophy, and without creative expression our lives become devoid of meaning and direction. Dance is a key to unlocking our fullest potential here on earth and it is the ultimate antidepressant. I am of the opinion that when utilized appropriately, dance can cure any ailment. Dance is a throne that the spirit of each and every sentient being in existence holds claim to.
Tiare Valouria. Fotografia di Rj Muna.
Italiano
Tiare Valouria è una performer e insegnante d’incredibile talento, specializzata in danza del ventre fusion e teatro rituale. Vederla significa innamorarsene: la sua eleganza e le sue interpretazioni sono di altissima qualità; l’aura mistica la rende artisticamente irresistibile. Ho avuto il privilegio d’intervistarla in merito al suo percorso e al significato del suo lavoro.
Com’è iniziata la tua passione per la danza del ventre?
La mia passione per la danza come forma d’espressione artistica va avanti da tutta la vita, ma la mia passione per la danza del ventre è cominciata nel 2005. Sono cresciuta alle Hawaii facendo danza classica e ballando hula nell’Halau, poi ho smesso di ballare quando l’adolescenza è arrivata e ho cominciato a sentirmi più ispirata a esprimermi attraverso il design e l’immergermi negli studi esoterici. Ero nei primi venti quando ho visto per la prima volta Gypsy Caravan esibirsi nell’ATS (American Tribal Style) qui nel Portland, e ho capito che c’era un movimento magico e misterioso di danza galvanizzata che stava unendo il femminile en force! I loro circoli di danza avevano questa energia potente, ma calda e avvolgente e, quando vi si assisteva, non era difficile attingere all’antica corrente di vitalità che veniva espressa e condivisa tra loro al di là di razze, taglie e generi. Di fatto non se ne poteva fare a meno. Mi sono innamorata anche della loro estetica ~ Sfumature blu pavone con il nero come sfondo unificante, dettagli di colori sgargianti e tatuaggi ovunque. “È una congrega dedita a una danza di magia vitale!” ho pensato. Ero così incuriosita che ho fatto qualche ricerca online e presto ho scoperto il movimento Tribal Fusion che si era fatto spazio nell’underground bohémien. Mi ha incuriosita ulteriormente! Me ne sono infatuata persino. E poi mi sono imbattuta in alcuni filmati di Rachel Brice che ballava… Ecco, a quel punto mi sono proprio innamorata. Tutto qua. Ho saputo allora esattamente cosa dovevo fare. Sembrava un pezzo mancante della mia anima che fino a quel momento avevo cercato forsennatamente. In poco tempo ne sono stato catturata. Non volevo altro che portare in me, nella mia forma fisica, il flusso di questa danza. Ho desiderato ardentemente la sua forza radicante. Ho cercato i ballerini di Gypsy Caravan per prendere lezioni da Paulette Resse Denis e Severina mentre mi esercitavo regolarmente anche a casa, con lezioni di cabaret egiziano in VHS (perché erano l’unico materiale disponibile in quel momento). Sono stata lieta di scoprire che gli studi danza portati avanti durante l’infanzia costituissero un grande vantaggio nelle lezioni di danza; sono dunque riuscita a imparare il Tribal Fusion a quella che agli occhi di alcuni potrebbe sembrare la velocità della luce. Presto ho trovato una piccola congrega di danza del ventre Tribal Fusion di nome Serpentine che mi ha invitata a entrare a farne parte, data l’idea condivisa di dare la priorità al Teatro Rituale come punto focale della danza. Sono stati la mia via per diventare un’artista performativa dopo i recital dell’Halau durante l’infanzia; il resto è storia.
Quanto è importante il ruolo dei maestri all’interno di questa disciplina?
Ogni disciplina porta con sé una tecnica per la quale è conosciuta e quindi ricercata col fine dello sviluppo e dell’integrazione personale. È attraverso i nostri insegnanti che riceviamo informazioni a fiotti e rappresentazioni di tecniche che sono uniche. È grazie ai nostri insegnanti che tramite la loro lente di esperienza possiamo potenziare passione, saggezza e doni. È a causa di questa singolarità che, quando assistiamo a ciò che fa il nostro insegnante, tutto il nostro essere afferma che proprio da lui desideriamo imparare. Gli insegnanti offrono attraverso le loro lezioni un’eredità di coscienza che è stata tramandata dal loro insegnante prima di loro, e così via. Ciò offre agli studenti un’opportunità inestimabile per arricchire la propria pratica e passione con questa magica miscela di sapori, intuizione e significato, come una pozione di potere che ravviva il loro movimento con uno spirito che può essere percepito non solo da coloro che ballano, ma da tutti coloro che hanno la fortuna di vederli condividere la loro abilità artistica. Senza i nostri preziosi insegnanti, le nostre preziose forme di danza non sopravviverebbero. All’interno di questa particolare disciplina di danza attingiamo a una corrente che è tanto antica quanto il tempo stesso. Gli antichi che si identificavano come donne iniziarono la danza del ventre nei circoli per sole donne, a cui le persone che si identificavano come uomini non potevano partecipare, né assistere. Questa è una danza che è stata tramandata da donna a donna per migliaia di anni come pratica di vitalità per imbrigliare, affinare e condividere il potere femminile divino. Quindi sì, gli insegnanti e coloro da cui scegli d’imparare sono estremamente importanti. Personalmente sono dell’opinione che quando si cerca un insegnante sia buona cosa porsi alcune domande: sta riconoscendo e onorando i propri insegnanti? Rispetta le culture da cui provengono queste danze e insegna anche in merito a esse? Quale storia il suo spirito sta dipingendo e sta venendo comunicata attraverso i suoi movimenti? Questa storia e questa rappresentazione sono in linea con il percorso che tu hai scelto? In che modo imparare da quest’insegnante darà spessore alla storia che attraverso la danza desideri raccontare? E onorarlo come tuo insegnante ti sembrerà parte integrante sia di te che del percorso che hai scelto? Non credo che queste domande vengano poste abbastanza di frequente e vedo là fuori, in giro per il mondo, molti ballerini di grande talento con una tecnica impeccabile, che però non onorano il lignaggio, né ne rappresentano i miti. Molte persone non se ne preoccupano affatto, ma quando lo noto, anche se posso godermi la tecnica dell’esibizione, perdo poi rapidamente interesse, perché non viene raccontata alcuna storia, né c’è alcuna traccia dello spirito attraverso il lignaggio. Nessun significato dietro i movimenti se non il voler far colpo… Ed è questo ciò che i loro maestri hanno insegnato loro a fare? La questione si riduce anche a quanto tu come individuo ti preoccupi davvero di questioni come questa. Quanto è importante per te il tuo percorso artistico? Ciò si rifletterà su chi sceglierai come insegnante e viceversa.
Pensi che sia possibile creare un forte legame con gli studenti anche attraverso le lezioni online?
Oh, assolutamente, e come per qualsiasi cosa dipende veramente dall’insegnante. In primo luogo il desiderio di legare con gli studenti deve essere presente, ed è ancora meglio se gli studenti sono disposti a ricambiare la disponibilità dell’insegnante in merito al creare una connessione. Noi, come specie, stiamo sperimentando un tale stravolgimento in questo momento che dobbiamo rivolgerci ai nostri insegnanti dalle nostre case, calde e comode, mentre tutto nel mondo intorno a noi accelera. Per quanto mi manchino le lezioni di persona, so di non essere la sola ad apprezzare il lusso della tecnologia moderna per mantenere vivo lo spirito dell’istruzione mentre navighiamo nelle acque agitate di questa società. Detto questo, sono profondamente entusiasta di aprire le porte ad Animara ~ la mia nuova scuola online di danza magica in arrivo a ottobre. Ho riversato molto amore nel programma e nella presentazione per offrire agli studenti un’esperienza edificante mentre interagiscono con la piattaforma, man mano che le lezioni e le serie vengono pubblicate. Arricchirà deliziosamente tutti coloro che saranno coinvolti.
Qual è il ruolo dell’esoterismo e della spiritualità nel tuo lavoro?
Dopo averci girato intorno per vent’anni, nell’approfondire la comprensione della relazione tra il mio lavoro e la spiritualità, mi sono resa conto più e più volte che l’esoterismo e la spiritualità sono davvero centrali. Senza un aspetto l’altro appassisce, e onestamente penso che valga per tutti… Tuttavia, all’interno dello spettro dell’esperienza, scegliamo di concentrarci maggiormente su un aspetto piuttosto che su un altro. A prescindere da tutto, la danza è una pratica spirituale. È un esercizio che porta a rendere più raffinata l’espressione dello spirito, da ritrarre e proiettare attraverso la nostra forma fisica. Siamo tutti spirito e i nostri corpi sono il veicolo terreno di esso, quindi tutta la danza è una pratica spirituale. Per me è vitale sia per quanto riguarda la mia pratica personale che ciò che insegno, affinché gli esercizi, le tecniche e i movimenti provengano da un luogo di conoscenza interiore, come risultato della connessione cosciente con le forze della creazione, per impregnare tutto con una comprensione e una relazione più profonde, con maggiore significato e un’intenzione più radicata. È attraverso il mio studio perpetuo di antiche pratiche cerimoniali, studi magici, lignaggi spirituali e danza che ho formulato amorevolmente un modo integrale di avvicinarmi alla danza come pratica spirituale, chiamata Mystic Arts Practika, che è affonda le radici nella magia. Potrebbe non essere per tutti, anche se penso che chiunque possa beneficiare della sua influenza.
Quali sono i temi più tipici delle tue lezioni ed esibizioni?
Il teatro rituale, la simbologia esoterica, la magia cerimoniale, gli archetipi e la venerazione/incarnazione del divino sono un aspetto principale della mia espressione artistica da tutta la vita. È stata la mia vocazione sin dal primo giorno e grazie all’influenza dei miei insegnanti e delle mie guide personali, la miscela di estetica, tecniche e rappresentazione risulta straordinariamente potente. Le mie lezioni vanno dalle sessioni guidate di yoga lunare al sincronizzare il nostro regime di cura personale con i cicli della luna; le lezioni di danza sono costruite su una base che mi piace chiamare Elemental Fusion, che funge da piattaforma su cui costruire con intenzione, utilizzando la Practika per potenziare la nostra danza attraverso la relazione con lo Spirito, le saggezze magiche e i miti personali.
Sei dell’idea che la danza possa cambiare il mondo?
La danza cambia il mondo ogni giorno. Ha cambiato il mondo dall’alba dell’umanità e continuerà a farlo fino alla fine dei tempi. La danza porta in sé la medicina dell’emancipazione e del rilascio. La danza è un rito di passaggio. Quando non balliamo i nostri corpi e la fiducia in noi stessi ristagnano. La danza ci riconduce a casa, al comprendere che i nostri corpi sono conduttori di energia. Senza movimento la nostra forma fisica si atrofizza e senza espressione creativa le nostre vite diventano prive di significato e direzione. La danza è una chiave per sbloccare il nostro pieno potenziale qui sulla terra ed è l’antidepressivo definitivo. Sono dell’opinione che, se utilizzata in modo appropriato, la danza possa curare qualsiasi disturbo. La danza è un trono che lo spirito di ogni essere senziente esistente rivendica.
I had the chance to be among the first people, even though certainly not the last, to interview Tim Mikkola, the frontman of Helsinki’s rock scene newest sensation: The Vantages. Great on record, even better live. Only time will tell, but it wouldn’t be surprising if their first single, Leather Jacket, were to become a hit.
How did your adventure start? How did you meet each other?
I met Anton a few odd years ago when we went to the same school together. When he heard the chorus to Leather Jacket, he moved to Helsinki and insisted that we start a band together. One thing led to another, he brought in Aleksi, Henkka and Mikko.
Did you know all along you had professional goals within music, or did you start playing just for fun?
Yes, we are an ambitious bunch.
What’s the story behind your name?
It was the best option amongst many bad ones. I was super against having “The” in the name followed by a plural, then I came up with “The Vantages”. Kind of shot myself in the foot there…
What are your main influences?
We listen to a lot of British indie and stuff from the 60s. I really like French chanson and guitar bands from that particular decade. Between the five of us we found the most common ground in 70’s rock and early 00’s goth rock. I’d say Finnish “rautalanka” has been a thing for us as well.
How does your creative process happen? Who does what?
Tim Mikkola, voice.
They usually start with me recording a few ideas down and writing on top of them by myself, then we head to the rehearsal space and see what’s what.
What are your sources of inspiration for writing songs? Are you mostly inspired by real life experiences or do you rather believe in art about art?
Love. To me love has never sounded like The Beatles’ “I Wanna Hold Your Hand”. When you really love someone you inevitably love the worst parts of them as well. I like writing about those things, I find it much more romantic. As for “art about art” I feel more attracted to honesty, heart on your sleeve and all that. I like writing about my experiences, I like getting personal.
How did the Covid-19 pandemic affect your plans?
It gave us time to get to know each other, write songs, search for our sound and make contacts etc. I think we’re one of the few who, in a sense, benefitted from it. Lots of time, little to lose.
Do you think the joy of going back to normal influenced somehow the enthusiasm with which the audience welcomed you to the live scene?
Definitely. People have been more eager to do things and really throw themselves in after being deprived of all things social for so long. I know I have.
Playing at a huge festival such as Ruisrock before having the first EP out is an incredible goal for a new band. How did you reach it?
It’s a classic story of someone who knew someone, who knew someone, who knew…
Did playing at Ruisrock feel the way you expected it to feel?
We didn’t have much expectations going in to be honest. We really enjoyed ourselves on stage, then checked out the rest of the festival. Good times.
A question for Aleksi, at the bass: does your choice of playing without a pick concern only your playing with The Vantages, or is it your standard style? What difference does it make to you?
Aleksi Larkovuo (bass).
I have always preferred playing with fingers to be fair. I can play with a pick as well of course but I like how playing with fingers you can really feel what you are playing. Vibration and all. I have always liked players who play very intensely with a pick or with their fingers. Players like Eric Avery, Martin Sköld, Duff McKagan, Flea or Paul Webb. So I implement that to my playing. Gives it kinda percussive element as well.
How much does the image count for a band in 2022?
As much as it has always counted I guess. It’s good to be aware of it, but not force things.
Among new bands there is often a tendency, quite opposite to the historical one within rock music, to take distance from alcohol and drug abuse. What do you think about it?
We don’t necessarily spit in the bottle, if that’s what your asking. We keep work and partying separate, we enjoy both. I think it’s a good thing that the “sex, drugs & rock n’ roll” cliche has lost its glamour. Substance abuse isn’t cool, it’s an issue and an unrepresented issue at that.
What can we expect from The Vantages in the near future?
Sex, drugs & Rock N’ Roll.
Thank you for your time. It was a pleasure to interview you and you have all my best wishes!
Thank you for having us.
Love, Tim & The Vantages
The Vantages is: Tim Mikkola (voice), Henri Schröter (drums), Aleksi Larkovuo (bass), Mikko Janatuinen (lead guitar) and Anton Froloff (rhythm guitar and keyboards).
All pictures by Samuli Vienola (2022). Make up artist: Katri Kettu.
Italiano
Ho avuto la possibilità di essere fra le prime persone, anche se certamente non le ultime, a intervistare Tim Mikkola, il frontman dell’ultima sensazione rock made in Helsinki: The Vantages. Meravigliosi in studio e anche meglio dal vivo. Solo il tempo potrà dirlo, ma non sarebbe una sorpresa se il loro primo singolo, Leather Jacket, diventasse una hit.
Com’è cominciata la vostra avventura? Come vi siete incontrati?
Ho incontrato Anton diversi strani anni fa; andavamo a scuola insieme. Quando ha sentito il ritornello di Leather Jacket si è trasferito a Helsinki e ha insistito perché fondassimo una band insieme. Una cosa tira l’altra, lui ha tirato dentro Aleksi, Henkka e Mikko.
Sapevate sin dall’inizio di avere obiettivi professionali nell’ambito della musica?
Sì, siamo ambiziosi.
Qual è la storia all’origine del vostro nome?
Era l’opzione migliore in mezzo a parecchie tremende. Ero assolutamente contro l’avere il “The” all’inizio del nome seguito da un plurale, ma poi sono stato io a proporre “The Vantages”. Mi sono un tantino dato la zappa sul piede…
Quali sono le vostre principali influenze?
Ascoltiamo molta musica indie inglese e roba degli anni 60. Mi piace molto la chanson francese e le guitar band di quell’epoca. Fra tutti e cinque il terreno comune l’abbiamo trovato soprattutto nel rock anni 70 e il goth rock dei primi anni 2000. Direi che anche il “rautalanka” finlandese abbia avuto un suo ruolo.
Come funziona il vostro processo creativo? Chi fa cosa?
Tim Mikkola, voice.
Di solito si comincia con me che registro qualche idea e ci scrivo sopra per conto mio, poi in sala prove e vediamo insieme che succede.
Quali sono le tue fonti d’ispirazione? Prendi spunto più dalle esperienze di vita reale o dal concetto di arte riguardo all’arte?
L’amore. Per me non è mai stato come in “I Wanna Hold Your Hand” dei Beatles. Quando ami qualcuno inevitabilmente ne ami anche I lati peggiori, ed è di queste cose che mi piace scrivere, lo trovo molto più romantico. In merito al concetto di “arte riguardo all’arte”, io mi sento più attratto dall’onestà, cuore in mano e cose di quel genere. Mi piace scrivere delle mie esperienze, andare nel personale.
Come sono stati condizionati i vostri programmi dalla pandemia del Covid-19?
Ci ha dato tempo di conoscerci meglio, di scrivere canzoni, cercare il nostro sound e crearci dei contatti. Penso che siamo stati fra i pochi a cui abbia in un certo senso giovato. Un sacco di tempo, poco o niente da perdere.
Pensi che la gioia di tornare alla normalità abbia influenzato il modo in cui il pubblico vi ha dato il benvenuto alla scena live?
Sicuramente. Le persone hanno più voglia di fare le cose e di buttarsi, dopo essere state private per molto tempo della possibilità. Lo vedo anche in me stesso.
Suonare in un grosso festival come il Ruisrock prima ancora di aver pubblicato anche solo un EP è un traguardo incredibile per una nuova band. Come ci siete riusciti?
È la classica storia in cui qualcuno conosceva qualcuno, che conosceva qualcuno, che conosceva qualcuno…
Suonare al Ruisrock è stato come ve lo aspettavate?
Onestamente non ci aspettavamo niente. Ci siamo molto divertiti sul palco e poi ci siamo goduti il resto del festival. È stato bello.
Una domanda per Aleksi, al basso: la tua scelta di suonare senza plettro riguarda solo i Vantages oppure è il tuo stile standard? Che differenza fa per te?
Aleksi Larkovuo (basso).
Onestamente ho sempre preferito suonare con le dita. Certo, so suonare anche col plettro, ma suonando con le dita mi piace sentire effettivamente quel che sto suonando. Vibrazioni e tutto. Mi sono sempre piaciuti bassisti con uno stile intenso, a prescindere dal fatto che suonassero con le dita o col plettro. Musicisti come Eric Avery, Martin Sköld, Duff McKagan, Flea e Paul Webb. Quindi ho incluso anche questo nel mio stile. Aggiunge una sorta di elemento percussionistico.
Quanto conta l’immagine per una band nel 2022?
Tanto quanto ha sempre contato, suppongo. È buono esserne consapevoli, ma senza forzare le cose.
Fra le band di nuova generazione c’è spesso la tendenza, in contraposizione a quella storicamente rock, a prendere le distanze dall’abuso di droga e alcol. Voi cosa ne pensate?
Non necessariamente disprezziamo, se è questo che mi stai chiedendo. Teniamo le questioni lavorative e il far festa separati, anche se ci piacciono entrambe le cose. Penso che sia un bene che lo stereotipo “sesso, droga e rock’n roll” abbia perso il proprio fascino. Abusare di sostanze non è figo, è un problema spesso non presentato a sufficienza come tale.
Cosa possiamo aspettarci dai Vantages nel prossimo futuro?
Sesso, droga e rock’n roll.
Grazie per il vostro tempo. Intervistarvi è stato un piacere e vi faccio i miei migliori auguri!
Grazie a te per averci ospitati!
Con amore, Tim & i Vantages
I Vantages sono: Tim Mikkola (voce), Henri Schröter (batteria), Aleksi Larkovuo (basso), Mikko Janatuinen (chitarra solista) and Anton Froloff (chitarra ritmica e tastiere).
Among the many possible approaches towards esotericism, there is one – risen from 1930s onwards – which sees it as a yay to return to the human primal spirituality and the related truths (Boguslawski et al. 2020: 17 – 18). It is therefore not surprising to think that esotericism has been and is, in the hands of artists, a powerful instrument to talk about social and personal paths, giving the narrative further depth. Carl Gustav Jung’s works are widely based on the connection between esotericism, archetypes and the true self. Even though a large number of scholars disagrees with him when it comes to the supposedly biological roots of archetypes, it is evident how some motifs and archetypes are common in literature and in myths through different historical eras and cultures, motifs being small narrative units and archetypes being recurrent patterns with deep psychic resonances (El-Shamy et al. 2005: XV – XVIII). There are several possible definitions of esotericism; the term “esoteric” can in fact be used as referring to a secret knowledge meant for a small group, to western mysticism, to points of view and explanations about God and the metaphysic world, or in a more popular and general way to mysticism, to the occult and to paranormal (Ilman et al. 2017: 126 – 127). In this essay I write about esotericism meant as magic, witchcraft, paranormal and explanations about the paranormal, even though presented through art rather than an organized philosophical or religious theory. Specifically, I take Marion Zimmer Bradley’s novel The Mists of Avalon as an example of esotericism used as an instrument to narrate social radical changes, coming to the point of bending reality, and the miniserie The Haunting of Hill House as an example of paranormal being used as a way to tell about personal grief and family dynamics, connecting these to spacetime loops, and so binding once again esotericism to the very nature of the reality lived by the characters.
The Mists of Avalon: esotericism, values and society
Marion Zimmer Bradley’s novel The Mists of Avalon is a fantasy novel, tapping into the Arthurian legends in order to narrate the fall of paganism and the rise of christianity, with Avalon representing the old ways. Even though Avalon’s cause is fought both by men and women, the story is told mostly from a female perspective, which is not surprising considering the fact that the ones walking the old path worship a goddess. The difference between pagan values and christian ones as presented in the novel becomes evident analyzing the main female characters: Viviane, Morgause, Morgaine and Gwenhwyfar (Guinevere), the former three representing the pagan world and the latter representing the christian one. Viviane is a powerful and charismatic leader, honest in her loyalty towards Avalon and the old religion, but this loyalty weakens the one towards the people around her; in front of her duty to protect Avalon and its interest, any sacrifice – be it others’ or her own – appears unimportant. Morgause, on the other hand, even though not incapable of love, has no other goals than her own personal interests; she has a very strong personality and is often desired by the men around her. Between them stands Morgaine: very loyal to Avalon’s cause, and yet her heart is full of personal feelings and desires; her feelings for any of her lovers anyway never manage to truly enslave her, as she very well remembers her beliefs and goals; she quite often feels like not having a choice, as if being a pawn in the hands of destiny – hands which sometimes, she realises, look surprisingly a lot like Viviane’s – but yet, she is very strong and capable of uncomfortable decisions. Gwenhwyfar, the only woman holding christian values, is presented as a beautiful and dutiful wife for Arthur; she is tormented though, due to her childlessness and due to her love for Lancelet, and the more tormented she becomes, the further she goes on the path of christian fanaticism. Esotericism, in this kind the use of magic, makes a great difference in the lives of the four women, becoming a symbol of the female condition within the pagan or within the christian world: even though none of them is destined to true victory, the former three have ways to pursue their goals and desires, often through magic, and their spirituality – despite being far from preventing inner turmoil – leaves more space for them to feel entitled when it comes to their emotions, their wishes and their attempts to get what they want. Gwenhwyfar’s power, on the other hand, depends entirely on Arthur’s good heart and on his affection to her; she strongly opposes magic and the pagan ways. Ultimately, when the christian religion overcomes the pagan one, the mists which separate Avalon from the rest of the world grow thicker and thicker, and the portal between the two becomes harder and harder to open; Viviane dies, not before having been on the point of almost loosing her faith, Morgause is forced to accept the fact that her youth and her magic – which had a strong passionate and sexual connotation – have faded away, and her power over men along with them, while Morgaine retires forever to Avalon, being defeated in the fight against the christian ways, but still feeling that her goddess will survive and be worshipped through the image of the Virgin Mary. This ending, along with the fact that the Holy Grail is presented as a sacred regalia from Avalon, are a perfect example of how – in this novel – esotericism is used in order to narrate a deep change in society, with its pagan roots still visible in the phenomenon of syncretism.
The Haunting of Hill House: esotericism and emotional life
The Haunting of Hill House is a miniserie created and directed by Mike Flanagan, mildly inspired by the homonym novel by Shirley Jackson. In the past, what should have just been the work of a few weeks restoring a house in order to resell it for a higher price, became a tragic turning point for the whole Crain family, composed of mother, father and five children. Even though all of them witnessed paranormal events, not all of them had to face them in the same measure, and not all of them even recognised them as paranormal in the first place; the most affected back then was anyway Olivia, the mother, for whom reality slept away day after day, eventually leaving her in constant doubt about being awake or dreaming. What is known is that she killed herself, but even though Hugh, her husband, knows more, he refuses to openly talk about it with his children, claiming that it is in order to protect them. Later, through flashbacks, it will become clear that Olivia tried to kill her youngest children, Luke and Eleanor – due to being convinced by one of the ghosts haunting the house that killing them were the only way to protect them from the world – and that after failing she committed suicide still under the influence of the same ghost, who this time convinced her of being living a nightmare, and that killing herself would be a way to wake up. The five children represent the five stages of grief (TV Insider: 2018). Their attitude towards grief is often the same attitude they have towards the paranormal activities inside the house, and it follows precisely the order in which they were born. Steven is denial, in fact he refuses the possibility that Hill House might be haunted and responsible first for his mother’s, then for his sister’s death. Shirley is anger, she is in fact very judgmental and hard for the others to approach or communicate with. Theodora is bargaining: she is aware that Hill House is, very likely, haunted, but she tries to leave that behind her; she is also aware about her own power to see truths about people and places when touching them, but she tries to deal with it almost constantly wearing gloves, putting a wall between herself and the outside world, and only occasionally using her power to help others. Luke is depression: he tries to fight the memories of what he saw in Hill House by taking drugs, at the point of becoming an addict. Eleanor is acceptance: her apparent murder is what forces the family to come together and face reality once and for all, but especially, her ghost explains to her remaining siblings the mystery of the house. The Red Room, which they thought they never managed to open in the past, was in fact the heart, or stomach, of the house, putting on a different mask for each one of them, so that they would stay still while the house fed on them, on their energy, on their hopes and fears. A large part of the paranormal activity witnessed by the Crains was anyway the product of different moments in time overlapping; Eleanor herself saw for many years a ghost, which she called the Bent-Neck Lady, who later turned out to be her, after her death by hanging, looking back on her own life. In the end, dealing with the paranormal world, so tightly connected to their grief, and accepting what happened, helps the remaining family members to find some sort of resolution, closure and reconciliation. In this case, talking about the paranormal activities, therefore about their pain, gives them a way to build bridges, to start communicating once again, and leaving behind the stage of grief in which they were trapped.
Conclusion
Through different forms of art and different genres, esotericism, in its wide conception, is – among other things – a way to narrate parts of the human life strongly connected to deep feelings, values and beliefs. I here took The Mists of Avalon as an example of esotericism – meant both as use of magic and spirituality – used as an instrument to represent values, faith and belief within society, with their influence on the life of women along with reality itself; I also used The Haunting of Hill House as an example of esotericism – this time meant as paranormal activities – used to represent family dynamics and the human relationship with grief, which might appear to the grieving person just as unexplainable and invincible as a haunted house.
Sources
Printed sources Boguslawski, Julia von, Nina Kokkinen, and Tiina Mahlamäki. Moderni esoteerisuus ja okkultismi Suomessa. Tampere: Vastapaino, 2020. El-Shamy, Hasan M., and Jane. Garry. Archetypes and Motifs in Folklore and Literature : a Handbook. Armonk, N.Y: M.E. Sharpe, 2005. llman, Ruth et al. Monien uskontojen ja katsomusten Suomi. Tampere: Kirkon tutkimuskeskus, 2017.
Online sources
TV Insider (last visited on 29/12/2021). https://www.tvinsider.com/728507/haunting-of-hill-house-stages-of-grief-siblings/
